Art et armures éclatantes

Les peintres réalistes habiles utilisent leurs pinceaux pour nous guider vers les cieux et la conduite vertueuse. Ils peuvent également nous faire vivre une myriade d’expériences humaines, notamment en nous faisant toucher du doigt les dures réalités de la bataille. C’est ce qu’a fait le peintre britannique Frank Craig dans La Pucelle, où il a représenté Jeanne d’Arc, la Pucelle d’Orléans, menant fidèlement la cavalerie française au combat.

Craig (1874-1918) a utilisé les lances rouges pour diriger le regard du spectateur vers Jeanne, puis vers les archers ennemis au loin. Jeanne est à la fois féroce et posée, fonçant tête baissée sur les lignes ennemies avec ses troupes. Son surcot blanc recouvre son armure, tandis qu’elle brandit un immense drapeau blanc de la Vierge Marie, leur ultime protectrice.

Craig a donné vie à cette bataille au rythme effréné : on peut presque entendre les cris de guerre, la ruée des sabots des chevaux et la charge des fantassins, tandis que la cavalerie porteuse de lances s’avance sous le feu des flèches, prête à faire couler le sang de l’ennemi. Il y a de l’action à chaque tournant, la cavalerie esquivant les flèches, et certains succombant.

Les visiteurs du château de Versailles peuvent voir le tableau de Craig et d’autres œuvres d’art équestre dans l’exposition « Le cheval en majesté – Au cœur d’une civilisation ». Ils peuvent également admirer de splendides et parfois rares armures équestres et de cavalerie, datant des années 1500 à 1800, parmi les plus de 300 œuvres de l’exposition.

Art de la cavalerie

Les contemporains français de Craig, John Lewis Brown (1829-1890) et Aimé Morot (1850-1913), ont représenté deux batailles au début de la guerre franco-prussienne, en août 1870.

Brown a représenté un soldat français à cheval lors de la bataille de Reichshoffen à Wœrth, dans le nord-est de la France. Il vient de sonner du clairon. Se redressant sur sa selle et tenant l’instrument en l’air, il appelle les troupes à charger en avant. Son cheval, effrayé, s’élance rapidement.

Brown s’est spécialisé dans la peinture de scènes de genre, de chasse et de scènes militaires, notamment la guerre d’indépendance américaine (1775-1783), la guerre de Sept Ans (1756-1763) et la guerre franco-prussienne de 1870.

Morot a peint une charge de cavalerie tonitruante lors de la bataille de Rezonville, près du village de Mars-la-Tour, dans le nord-est de la France. Au premier plan, les cavaliers entrechoquent habilement leurs épées, se contorsionnant pour attaquer l’ennemi ou se défendre. Un soldat et son cheval font une culbute, destinés à être piétinés par les troupes qui avancent rapidement à l’arrière-plan.

Morot connaît bien la bataille. Il avait étudié la cavalerie lorsqu’il était attaché à l’état-major général de l’armée française, utilisant un simple appareil de visionnage pour étudier les chevaux en mouvement. Il a exposé plusieurs de ses peintures de cavalerie, dont Rezonville, 16 août 1870, la charge des cuirassiers, dans l’éminent Salon de Paris à l’Académie des Beaux-Arts de Paris.

Armures équestres

Les premières armures animales connues sont apparues entre 2600 et 2500 avant J.-C., lorsque les onagres (ânes sauvages) portaient des plaques pectorales protectrices en tirant des chariots de combat dans la ville d’Ur, en Mésopotamie (aujourd’hui l’Irak).

Les armures de cheval européennes sont apparues pour la première fois en Grèce et dans l’est de la Méditerranée aux VIIIe et VIIe siècles avant Jésus-Christ.

Entre les années 1500 et 1800, les armuriers européens n’ont pas seulement taillé des costumes en acier pour les cavaliers, les fantassins et les participants aux tournois, mais ils ont également créé des armures somptueuses comme cadeaux diplomatiques et pour des occasions spéciales telles que les parades et les cérémonies.

Dès le début du XVe siècle, les combattants d’élite se protégeaient, ainsi que leurs montures, par un champ de force presque impénétrable, constitué d’une armure de la tête aux pieds. Chaque armure était reliée à des plaques d’acier à l’avant et à l’arrière de la selle, ce qui permettait de la barder (armure de cheval de guerre).

« En raison de son coût élevé, l’armure a toujours été un symbole de statut social, comme un bijou, et l’armure de parade est devenue le bijou le plus complet jamais conçu, couvrant littéralement son porteur de haut en bas », écrit Helmut Nickel, ancien conservateur du Metropolitan Museum of Art, dans Arms and Armour Through the Ages (Armes et armures à travers les âges).

Un armurier protégeait la tête du cheval de guerre avec un chanfrein, son cou avec une barde d’encolure, son poitrail avec un plastron, ses flancs avec des flançois et sa croupe avec une barde de croupe ou croupière.

Sculpture en acier

« La fabrication d’une armure est en fait une sculpture en acier, et les armuriers tentaient souvent de prouver leur talent en créant des modèles extravagants », écrit Helmut Nickel.

« L’armure de plaque était conçue pour présenter une surface réfléchissante à la pointe d’une arme », explique-t-il. Afin de ne pas réduire la profondeur de la plaque ou de ne pas nuire à sa surface d’impact, les armuriers gravaient des détails décoratifs sur les armures de plaques. Les armures d’apparat n’étant pas soumises aux mêmes contraintes décoratives, les armuriers embossaient des surfaces entières avec des motifs élaborés.

L’exposition présente deux chanfreins du gothique tardif, prêtés par la collection du Metropolitan Museum of Art et attribués à l’armurier milanais Romain des Ursins. L’armurier, alors basé à Lyon, a créé une barde d’encolure et un chanfrein de style allemand. La barde d’encolure est constituée d’une série de plaques d’acier (appelées « lames ») qui pivotent sur des rivets et protègent l’encolure du cheval sans en limiter les mouvements. Il a sculpté un chanfrein simple et pointu, dont les arêtes se moulent à la tête du cheval. Les ajouts du XIXe siècle comprennent les protections des oreilles et des yeux du chanfrein, la frange de la cotte de mailles de la barde et la lame qui protège la crinière.

À la même époque, Ursins a créé pour la cour de France un chanfrein féroce à tête de dragon. Le dragon de style « héroïque » renvoie aux légendes et à la littérature. Une quarantaine d’années plus tard, les armuriers de la cour ont embelli le chanfrein du dauphin Henri II de France (1519-1559). Des dauphins, des fleurs de lys et la lettre « H » finement damasquinés à l’or fin ont permis à l’écu rénové d’équiper le destrier du futur roi.

À la fin du XVIe siècle, un armurier français inconnu a créé un casque d’apparat de style héroïque. Il a ciselé, gravé et damasquiné l’ensemble du casque avec une masse d’hommes se tordant sur des chevaux de guerre engagés dans la bataille. Certains cavaliers et chevaux galopent vers l’ennemi, tandis que d’autres rendent leur dernier souffle. Une série de trous au bas du casque montre l’endroit où il aurait été riveté ou lacé avec du cuir à l’armure du corps.

L’armurier allemand Anton Peffenhauser (1525-1603) a travaillé à Augsbourg, en Allemagne, une région réputée pour ses armures ; dans la seconde moitié du XVIe siècle, il était le principal armurier de la ville. Son immense savoir-faire est visible dans le remarquable costume de chevalier et la bardane que possèdent les collections d’art de l’État de Dresde, en Allemagne. Peffenhauser a revêtu le chevalier d’un costume en acier qui s’articule parfaitement avec la barde. Le plastron, les flançois et la barde de croupe descendent respectivement le long du poitrail, des flancs et de la croupe du cheval, comme s’il s’agissait d’un tissu plutôt que d’acier. Des plaques de métal recouvrent même les rênes afin qu’elles ne puissent pas être coupées au combat. Peffenhauser a gravé chaque surface avec des éléments naturels.

Les chevaux portaient souvent, sous leur armure, des couvertures en tissu appelées « caparaçon », qui les couvraient de la tête à la queue. Les caparaçons pouvaient également être appelés bardes, comme c’est le cas des bardes colorées des XVIe et XVIIe siècles que l’on peut voir dans les albums des tournois et des défilés de Nuremberg. Parmi ces illustrations vivantes, on trouve des joutes de prétendants qui témoignent de l’apparat désormais légendaire de l’époque. De nombreuses illustrations détaillent les noms des chevaliers, leurs armoiries et les aspects comiques de leur caractère.

L’exposition rend hommage au cheval dans la civilisation humaine. L’exposition de l’art de la bataille et des armures historiques nous permet de mieux apprécier les compétences exquises des armuriers qui assuraient la protection des soldats. Elle nous permet également de mieux apprécier l’ardeur avec laquelle nos ancêtres se sont battus.

L’exposition « Cheval en majesté – Au cœur d’une civilisation » du Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon se tient jusqu’au 3 novembre. Pour en savoir plus, rendez-vous sur ChateauVersailles.fr