L’art vénitien : les maîtres de la couleur et de la lumière

Peu de villes captent autant l’imagination romantique que Venise. Ses canaux sinueux, ses bâtiments pittoresques et sa lagune scintillante intriguent les visiteurs depuis des siècles. Sa géographie unique la distingue de la partie continentale de l’Italie – 118 îles reliées par un réseau de plus de 400 ponts – au sens propre comme au sens figuré.

Dans le domaine de l’art, cet isolement a permis à la Renaissance de s’épanouir d’une manière différente des développements plus connus de Florence, Rome et d’autres grandes villes italiennes. Grâce à sa position stratégique sur la mer Adriatique et à sa formidable classe marchande, Venise s’est imposée comme la capitale européenne du commerce international à la fin de l’ère médiévale. Bien que la République vénitienne ait été en déclin au début du XVIe siècle, les arts ont été politiquement protégés, ce qui a permis à la ville de conserver son importance culturelle.

La plupart des artistes de la Renaissance vénitienne (de 1440 à 1580 environ) ont choisi des sujets populaires dans toute l’Europe, et les motifs chrétiens traditionnels côtoyaient les mythologies grecques et romaines nouvellement popularisées. Les grands artistes de Venise ont cependant interprété ces sujets de manière originale, créant un style magnifique et vibrant caractérisé par des couleurs riches, une énergie dramatique, une attention aux motifs et aux surfaces, et un intérêt pour les effets de lumière. Bon nombre des peintures les plus célèbres en Occident ont vu le jour pendant cette période fructueuse à Venise.

Les frères Bellini, Giovanni et Gentile, ont peint de nombreuses œuvres d’art emblématiques de la ville. Le tableau de Giovanni Bellini de 1490, La Vierge à l’enfant avec Jean-Baptiste et sainte Élisabeth, en est un bon exemple. Les spectateurs remarqueront que la scène biblique familière est rendue de manière naturaliste et tridimensionnelle, pierre angulaire du mouvement de la Renaissance. Cependant, les manteaux des femmes sont d’un bleu saisissant ; la peinture contient du lapis-lazuli, une pierre précieuse que les marchands vénitiens importaient du Moyen-Orient. De même, le vêtement vert olive de Jean reflète brillamment la lumière. Cette peinture de dévotion, modeste mais brillante, est l’une des nombreuses peintures qui ont établi la réputation de Venise pour l’utilisation resplendissante de la couleur.

La peinture de Giovanni Bellini de 1514, Le Festin des dieux, illustre également l’utilisation exquise de la couleur par l’artiste. Commandé par Alfonso I d’Este, duc de Ferrare, ce tableau témoigne de l’intérêt naissant de l’aristocratie pour les récits classiques grecs et romains. Adapté d’œuvres du poète romain Ovide, le tableau de Bellini est l’un des premiers à faire revivre la scène du festin, qui deviendra l’un des sujets les plus populaires dans toute l’Europe au cours des deux siècles suivants.

La version de Bellini dépeint l’épisode entre Lotis et Priape, tandis que d’autres versions représentent le mariage de Cupidon et Psyché ou de Pélée et Thétis. Cette variabilité a permis aux artistes de capturer une scène qui trouvait le plus d’écho auprès de leurs mécènes. Le récit d’Ovide sur Lotis et Priape a été publié pour la première fois en italien en 1497, à Venise, ce qui rend l’interprétation de Bellini pertinente pour son public. Le célèbre artiste de la Renaissance Titien a révisé le paysage en 1529, ajoutant des arbres naturalistes et sereins et un ciel azur. Le traitement du paysage pastoral par Titien a établi la norme pour les artistes suivants. Les deux artistes ont stratégiquement combiné la mythologie avec des éléments contemporains.

De la même manière, Gentile Bellini entremêle des époques et des lieux disparates dans son propre chef-d’œuvre, Le Sermon de Saint-Marc à Alexandrie. L’artiste combine l’architecture vénitienne et mamelouke (égyptienne) avec un arrière-plan montagneux qui n’appartient à aucun des deux lieux. La scène mêle également des événements anciens et contemporains, suggérant la nature éternelle de la scène qui se déroule. Bellini représente saint Marc l’évangéliste prêchant à une foule de chrétiens et de musulmans. On pense que saint Marc a fondé l’église d’Alexandrie, l’un des sièges épiscopaux les plus importants de la chrétienté antique. Les bâtiments situés sur les côtés rappellent l’architecture mamelouke que Bellini a probablement rencontrée lors de son voyage à Constantinople et à Jérusalem. La structure centrale ressemble à la basilique Saint-Marc, que les Vénitiens devaient clairement reconnaître ; Saint-Marc est le saint patron de la ville et ses reliques ont été transférées d’Alexandrie, en Égypte, à Venise dès le neuvième siècle de notre ère. Le thème général du tableau est optimiste : Bellini, ainsi que ses compatriotes chrétiens de toute l’Italie, espérait convertir les musulmans d’Alexandrie au christianisme.

Cette relation entre Venise et le monde islamique, en particulier l’Empire ottoman, a défini politiquement une grande partie des 15e et 16e siècles. En 1453, le sultan ottoman Mehmed II a conquis Constantinople, qui avait été la capitale de l’Empire byzantin pendant plus de 1000 ans ; Byzance était la moitié orientale de l’ancien Empire romain et avait été un bastion chrétien pendant toute cette période.

Mehmed II a introduit l’islam à Constantinople, mais il a également recherché des artistes vénitiens compétents. Gentile Bellini, qui avait un accès rare à la cour du sultan, a réalisé le Portrait du sultan Mehmed II avec un jeune dignitaire en 1479. Mehmed II a très probablement commandé des portraits pour faire circuler son image au sein de son empire, mais le fait qu’il ait fait appel à des portraitistes italiens témoigne de l’autorité d’artistes tels que Bellini.

En représentant le sultan, Gentile Bellini a suivi les normes que les artistes utilisaient généralement pour représenter les doges (seigneurs élus) de Venise. Le Portrait du doge Leonardo Loredan de Giovanni Bellini est un bon exemple de comparaison. Dans les deux portraits, le souverain est représenté de profil partiel, de la poitrine vers le haut, à la manière d’un buste sculpté romain. Ils portent tous les deux les atours contemporains correspondant à leur statut, plutôt que d’afficher des références visuelles anciennes. Le portrait du doge rend remarquablement bien la physionomie et le tempérament du personnage, soulignant la façon dont Venise a commencé à découvrir et à affirmer son identité pendant la Renaissance.

L’identité vénitienne s’exprime également à travers l’imagerie mythologique, qui devient de plus en plus à la mode. Le tableau Bacchus, Vénus et Ariane du Tintoret est une peinture allégorique réalisée pour le palais des Doges, où il se trouve encore aujourd’hui. La scène représente Ariane, qui personnifie Venise, acceptant la demande en mariage du dieu Bacchus. Vénus, déesse de l’amour et de la victoire, plane au-dessus d’Ariane et lui remet une couronne d’étoiles. L’histoire glorifie Venise ; le mariage représente l’union de Venise avec la mer, une union consacrée par les dieux. Dans le plus pur style vénitien, la composition dégage une énergie dramatique.

Paul Véronèse a également adapté des thèmes mythologiques familiers pour créer des peintures allégoriques. Dans Allégorie de la sagesse et de la force et Allégorie de la vertu et du vice, l’artiste représente Hercule pour transmettre des leçons de morale. Dans la première, la figure féminine qui regarde vers les cieux personnifie la sagesse divine ; Hercule, qui regarde les bijoux en bas, représente les préoccupations terrestres. Dans ce dernier ouvrage, Hercule doit choisir entre la vertu et le vice, incarnés par deux femmes qui le tirent dans des directions différentes. En fin de compte, c’est la vertu qui l’emporte et les spectateurs se rappellent que la vertu doit toujours prévaloir. Alors que les peintures allégoriques étaient omniprésentes en Europe au cours du XVIe siècle, Véronèse accorde une attention particulière à la texture et aux motifs des vêtements portés par ses personnages.

De nombreux principes de la philosophie artistique de la Renaissance vénitienne se manifestent de la manière la plus célèbre dans le chef-d’œuvre de Véronèse de 1563, Les noces de Cana. Ce tableau surdimensionné dépeint les noces bibliques de Cana, au cours desquelles Jésus transforme miraculeusement l’eau en vin. Véronèse encadre l’événement d’une architecture grecque et romaine classique, tandis que la fête elle-même rappelle les somptueuses scènes de banquet familières aux Vénitiens de l’époque, qui en étaient friands. La scène prend vie dans une liesse de musique, de nourriture et de vin, à laquelle participent de nombreux fêtards. Utilisant l’outremer, parmi d’autres pigments populaires, Véronèse utilise une palette lumineuse et saturée. Malgré la multitude de personnages, Jésus reste au centre de l’œuvre et son éclat divin attire les spectateurs. L’artiste respecte ainsi les conventions de composition de son époque tout en utilisant les effets de la lumière à des fins artistiques et religieuses.

Si les maîtres romains et florentins de la Renaissance, tels que Léonard De Vinci, Michel-Ange et Raphaël, intriguent à juste titre les amateurs d’art du monde entier, leurs homologues de Venise ont créé un style inégalé. Leurs palettes audacieuses, leur dynamisme et leurs détails texturaux ont créé un précédent que les artistes modernes continuent d’imiter. Alors que les spectateurs d’aujourd’hui continuent de découvrir l’art européen des XVe et XVIe siècles, les virtuoses vénitiens tels que les frères Bellini, le Tintoret et Véronèse offrent une introduction convaincante à un style inégalé.