Le 22 septembre 2015, un commissaire-priseur du New Jersey a ouvert les enchères pour une peinture datant vraisemblablement du XIXe siècle. Prévu pour être vendu entre 500 et 800 dollars, le prix de l’œuvre a grimpé à 870.000 dollars (845.000 euros), après la fin des enchères. Les deux acheteurs en lice ont reconnu qu’il s’agissait du Patient inconscient de Rembrandt, une peinture d’une série de cinq tableaux qui est la première œuvre connue de l’artiste hollandais.
Peint vers 1624-1625, Les sens date de l’époque où Rembrandt (1606-1669) a ouvert un atelier en partenariat avec Jan Lievens (1607-1674). L’atelier était une entreprise en devenir : Rembrandt et Lievens étaient encore adolescents et venaient tous deux de terminer leur apprentissage. L’atelier lui-même occupait une partie de la maison des parents de Rembrandt à Leyde. Le fait de travailler dans cette petite ville néerlandaise permettait aux artistes d’éviter les frais de guilde plus élevés qu’ils auraient dû payer à Amsterdam.
La série des cinq sens
À cette époque, Rembrandt se caractérise par des couleurs sombres, pâles et profondes, avec des nuances discrètes. En 1630, le clair-obscur, c’est-à-dire les forts contrastes entre la lumière et l’obscurité, devient un élément clé de la plupart de ses œuvres.
Le tableau Les sens illustre les débuts de la carrière artistique de Rembrandt. Les quatre tableaux conservés suggèrent relativement peu de choses sur son style caractéristique de la maturité, ce qui explique pourquoi les commissaires-priseurs n’ont pas soupçonné que le Patient inconscient provenait de son pinceau.
La série complète comprend : Un Colporteur vendant des lunettes (vue), Les Trois chanteurs (ouïe), Patient inconscient (odorat), Opération pierre (toucher) et une Allégorie du goût. On ignore pour l’instant où se trouve la peinture sur le thème du goût.
Avec des tons discrets de rose, de lavande, d’orange et de bleu pâle, Les sens sont plus colorés que ses œuvres ultérieures. L’évolution de Rembrandt vers une palette sombre caractéristique n’était ni prévisible ni surprenante. Pour un artiste de sa génération, l’influence omniprésente du peintre italien Le Caravage (1571-1610) – que Rembrandt admirait beaucoup – a très probablement orienté son évolution stylistique.
L’inspiration de Rembrandt
Malgré des exceptions dans l’œuvre de Rembrandt et du Caravage, il existe trois contrastes clés entre eux : le ténébrisme, le clair-obscur et la couleur.
Les termes « clair-obscur » et « ténébrisme » sont souvent utilisés de manière interchangeable ; il est cependant important de noter la différence entre les deux techniques. Le clair-obscur crée trois dimensions en utilisant des contrastes extrêmes de lumière et d’obscurité. Depuis la Renaissance, les artistes ont représenté la profondeur par des gradations d’ombre et de lumière, mais c’est le maître baroque Le Caravage qui a porté cette technique à un niveau supérieur en créant le ténébrisme, qui signifie sombre et lugubre.
Semblable au clair-obscur, le ténébrisme utilise un contraste saisissant entre l’ombre et la lumière, mais l’obscurité devient la caractéristique dominante de la peinture. Le ténébrisme est exclusivement utilisé pour créer une illumination dramatique par un effet de projecteur. Un peintre peut mettre en valeur un sujet ou un groupe de personnes, tout en laissant les autres zones noires, afin de créer un contraste et un effet dramatique. Le clair-obscur utilise une gradation plus subtile de la lumière et de l’ombre pour créer un effet plus naturel et plus doux.
Le ténébrisme du Caravage a inspiré Rembrandt et d’autres artistes hollandais qui ont travaillé dans la « tradition de la lumière des bougies », où toute la lumière de la composition émane d’une seule bougie.
Dans Les sens, Rembrandt a déjà fait preuve d’un talent pour le contraste entre la lumière et l’obscurité – ici dans un clair-obscur très modéré – qui a jeté les bases de son développement ultérieur. Chacune des quatre peintures connues de Rembrandt présente un fond ombragé de couleur neutre contrastant avec des figures principales plus sombres ou plus colorées. Si l’on compare son style à celui de la maturité, l’influence du Caravage sur sa transition vers un clair-obscur fort est évidente. Mais Rembrandt a conservé une partie de sa subtilité antérieure. Il n’a jamais adopté le ténébrisme du Caravage, plus dramatiquement contrasté.
Couleur et continuité
La tendance de Rembrandt à utiliser des couleurs sombres et des tons plus profonds doit beaucoup au Caravage. Lorsqu’il utilise d’autres nuances de couleurs primaires, Rembrandt continue généralement à utiliser celles, plus douces, de ses premières œuvres, plutôt que les nuances audacieuses que Le Caravage préférait.
Il n’y a pas d’éléments de continuité comparables entre le sujet et le traitement de Rembrandt dans Les sens et tous ses autres tableaux, principalement de jeunesse, à l’exception d’une poignée d’entre eux. Chacun possède une légèreté et un humour évidents qui apparaissent de temps à autre dans son œuvre. La connaissance de la vie quotidienne dans le monde de Rembrandt révèle que Les sens vont plus loin. Il s’agit d’une forme d’allégorie satirique vers laquelle il est rarement – voire jamais – revenu.
Les détails de sa satire apparaissent clairement dans deux des quatre tableaux connus. Un Colporteur vendant des lunettes et L’Opération de pierre s’inspirent d’expressions idiomatiques hollandaises du XVIe siècle. « Vendre à quelqu’un des lunettes sans verres [correcteurs] » fait référence à la capacité de tromper ceux dont la vue est trop faible pour qu’ils sachent qu’on ne leur vend pas le produit dont ils ont besoin. L’expression « enlever la pierre » fait référence aux barbiers qui prétendaient pouvoir guérir les maux de tête en enlevant une pierre de la tête d’une personne – une autre escroquerie. Il est probable que ses allégories sur l’odorat, l’ouïe et le goût fassent allusion à des expressions idiomatiques similaires dont le sens nous échappe aujourd’hui.
C’est précisément dans les différences entre Rembrandt et Le Caravage que l’on trouve des éléments de continuité entre les premières peintures de l’artiste néerlandais et son style de maturité. Ses tons subtils et ses transitions témoignent de sa préférence pour une élégante sobriété plutôt que pour l’éclat et la flamboyance. Si la dignité et la gravité étaient courantes, la légèreté était rare.
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